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JERK

OCHO Y MEDIO

 

 

He leído una y otra vez la letra de Ocho y Medio y he llegado a la conclusión de que es imposible escribir mejor una canción:

Música y literatura perfectamente combinadas en una espiral de realidad, dolor, angustia e imágenes oníricas grises y de espiral decadente un descenso al infierno con la poesía más bella y perturbadora que he escuchado en mucho tiempo

 

Ignacio González Vegas, quien firma sus discos como: Nacho Vegas, es lo más cercano que podemos encontrar en nuestro idioma, al folk de autor con herencias anglosajonas (Dylan, Cohen, Waits, Cave, o Van Zandt)

 

Nacho Vegas : ¿Cuál es tu palabra favorita?

(Piensa). Me gusta mucho la palabra extraño. Se puede ver desde muchos puntos de vista, porque también es una forma verbal, del verbo extrañar. Tiene algo inquietante, incluso fonéticamente.

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SOY

SOY

LA MEJOR VERSION DE BEAST OF BURDEN

De siempre me ha encantado esta versión , recuerdo la primera vez que la escuche en un cd que compre de versiones de los Stones, estaban Aretla Frankin , Jerry lee Lewis, Bob Dylan, Tina Turner y un largo elenco de estrellas pero al llegar a esta versión la energica voz de Bette Midler , me cautivó ideal para despertarte con una inyección de adrenalina directa al corazón y el video músical no tiene desperdicio Mick Jagger se interpreta a si mismo mientras entra en un peligroso triangulo amoroso entre Bette un Jeke arabe y el mismo con el añadido de las fans de Mick que se resisten a que caiga en las redes de Bette. Enrevesado como la vida misma

 

Por cierto pese a no ser el prototipo de mujer ideal marcado por los parametros costumbristas y absurdos de la sociedad esta mujer en el video hace la version más sexy y desenfadada de Beast of Burden de la historia dejando en pañales a cualquier modelo del tres al cuarto que adornan los videos musicales o se empeñan en ser estrellas solo a base de cuerpo y poco talento un 10 por esta increible mujer.

 

 

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BRINDO POR LAS NOCHES ANTIGUAS Y LA MUSICA LEJANA

BRINDO POR LAS NOCHES ANTIGUAS Y LA MUSICA LEJANA

 

 

Brindo por las noches antiguas y la música lejana

por las avenidas interminables en noches sin estrellas

por los  cuerpos hambrientos en camas prestadas.

Brindo por el atardecer en tus ojos

y la mañanas en tus brazos.

UNA FRIA MAÑANA

UNA FRIA MAÑANA

 

 

Una fria mañana, nuestras miradas se cruzaron, escondían la melancolía y la tristeza de la despedida. El tiempo jugaba a la contra, los recuerdos de todo lo vivido  anesteciaban los sentimientos,  que luego vendrían, que luego se quedarían a vivir en nuetras entrañas por siempre ... mientras sintonizo el ruido de los coches,  viendo la ruta pasar , al lado del camino, a un lado viendo la mañana envejecer ... mientras los pensamientos se unen al humo del cigarrilo que acabo de prender , vuelvo a recordar una mañana fria donde nuestras miradas se cruzaron.

20 AÑOS DE NEVERMIND

20 AÑOS DE NEVERMIND

 

 

 

 

¿Donde estabas tú en el 91?

En el año 91, cursaba segundo de B.U.P, mi mente se estaba abriendo a nuevas tendencias, en lo musical empecé a tener un poco de criterio y me decanté por el Rock de la mano de Héroes del Silencio, luego llegarían los Guns n Roses y la obsesión por un grupo y por la música en general  ya unos años más tarde.

 

En esa época creo que en la mayoría de institutos españoles, habían muchos grupos  sociales: dentro de estos, estaban los deportistas, los empollones,  los roqueros, los pijos y los pardillos ...

Dentro del sector musical del rock hasta el 91 habían dos sectores bien diferenciados los fans de METALLICA y los fans de Guns N Roses, objeto de disputas y reclamos METALLICA es la caña, los Guns unos vendidos, El Appetite sólo vale más que toda la discografía de METRALLA .

Y así entre pantalones ceñidos, camisetas de carabelas y el pelo hasta la espalda iban pasando los cursos repitiendo, aprobando, repitiendo en un bucólico ecosistema de pellas, cervezas, amigos, rock y algún que otro incidente , no olvidéis que yo era de los de Axl Rose y claro había que alimentar al mito …

Pero en el 91 todo cambió y  aún más en el 94 después de la muerte de  Kurt Cobain, pero centrémonos en el 91.

Ese año apareció un disco con una original y refrescante portada  Nevermind  (no me importa) el título me devolvió inmediatamente a los Sexs Pistols y lo que me encontré l dentro me voló la cabeza, al principio reacio por ese sentimiento adolescente : “mi banda son los Guns y son los mejores”;  estúpida inocencia y lealtad , pero lo que descubrí en esa cinta que me dejaron en una excursión que hicimos a unos museos,  y luego a la playa, me voló la cabeza.

Ya de vuelta en el autocar un amigo y yo intercambiamos música, yo le pasé el “Use your Ilusion II” en cinta para el walkman, y él un disco nuevo de un grupo que se llamaba NIRVANA.

Al rebobinar la cinta, para que todo empiece como se supone que debe empezar por el principio ; ya entendí que este grupo era muy diferente a lo que había escuchado antes. Ese sonido rabioso combinando punk rock y melodías casi beatlelianas era un jarro de  agua fría a la escena musical actual y el principio de una nueva oleada de bandas y un sonido diferente catalizado también de forma diferente por cada grupo que se denomino “Grunge”.

Pero centrémonos en el Nevermid  y en sus temas más destacados que podrían ser todos ya que es un disco perfecto de principio a fin en el que no sobra absolutamente nada.  

EL disco se abre con “Smells like teen spirit” el futuro himno de una generación a la que apodaran X , en la que la confusa letra es el reflejo agónico de la apatía de toda una generación. Definirá claramente lo que será el sello de Nirvana en toda su carrera estribillos limpios y melódicos y coros distorsionados y furiosos.

“In Bloom” es otra sorprendente  canción entonada con tonos más grabes que nos habla de la reproducción con una visión muy personal, la formula sigue siendo la misma de antes sonido crudo  y distorsión en los coros y en la parte final del tema, aunque con una sonoridad totalmente diferente y es que será por distorsiones y pedales.

El tercer corte, es otro de los temas más emblemáticos del álbum, de la década y del cambio del milenio “Come as you are” sorprende por ese juego de arpegios y distorsión marca nirvana, es un medio tiempo realmente sublime, ideal para interpretarlo en eléctrico y acústico. Sin duda una de las mejores canciones que se han hecho nunca. Con una letra asombrosa y unos arreglos sublimes. Una canción de amor con una visión muy original.

Breed un tema muy punk , acelerado, rápido con una cadencia en los coros muy adictiva.  Un trallazo de adrenalina de principio a fin.

Lithium, el tema que más me sorprendió en su primera escucha; un himno en toda regla, con un coro que se te mete hasta en tus sueños, una letra asombrosa que no sabes bien a que se dirige podría ser la soledad, la angustia vital , la religión, la incomprensión de sentirte diferente a la gran mayoría de mortales que habitan este ecosistema llamado tierra. El tema empieza con una adictiva línea de bajo luego se acopla la guitarra, la voz y la batería juegan entre esas líneas y acordes de guitarra y bajo y acaban explotando en un coro agónico, desesperado:

I like it. I’m not gonna crack.
I miss you. I’m not gonna crack. I love you.
I’m not gonna crack. I kill you.
I’m not gonna crack.

 

Polly la otra balada entre comillas junto a Come as you are, narra la historia de una violación y secuestro de una amiga de Cobain, tiene una de las melodías más adictivas que he escuchado nunca, un coro que te atrapa y una belleza armónica que muestran claramente el amor que sentía Kurt por los Beatles, ni el mismísimo Lennon  lo hubiera  hecho mejor.

Territorial Pissings y Stay away nos devuelven a la crudeza más punk esta vez sin tregua , distorsión y una batería atronante desde la primera hasta la última nota de la canción.  Cobain canta como si se fuera a acabar el mundo y esa furia rabia en forma de alaridos agónicos alcanzan un clímax épico.

Drain You es la canción favorita de Cobain de este albúm paso mas inadvertida que Teen Spirit , Lithium, Come as you are, pero es tan buena o más que las anteriores, tiene un arranque energico y una melodía que te hace soñar con miles de cosas diferentes en casa escucha, siempre le encuentras algo diferente algo nuevo, un tema en mayúsculas, para un disco soberbio.

On a Plaint es una síntesis de lo que se va venido dando a lo largo del disco, buena música, excelentes mélodias,  riff distorsionados , un tema muy muy adictivo.

Por último encontramos Something in the Way una canción lenta, que juega con una intro sencillamente bella, y dos acordes que sostienen una canción minimalista, emotiva, que habla de la inadaptación, de vivir bajo un puente, de sentirte simplemente algo en el camino.

Como sorpresa si dejamos que el vinilo ruede y ruede encontramos un tema oculto Endless nameless una canción cruda, llena de acoples de sonido desatado de furia y crudeza.

Si os parece asombroso este disco buscad algun concierto su verdadero fuerte, nunca he visto destilar tanta adrenalina y emotividad desde el gran Dave Grohll el mejor bateria que he visto en mi vida, hasta Axl queria uno como él, las líneas de bajo del siempre tranquilo y apasible  Novoselic, que en directo se convertia en una mezcla de furia y armonía y la guitarra fender jaguar de Cobain un trio para la gloria, el recuerdo y el olimpo músical hasta hoy en día sin precedentes.

 

Al acabar ese viaje sonoro, no tardé mucho en comprarme el Nevermind y poco a poco con el paso de los meses las camisas negras de calaveras fueron sustituidas por rebecas y camisas de cuadros , los pitillos por pantalones rotos, las botas por zapatillas y el pelo que antes colgaba por la espalda perdió tamaño quedándose por los hombros y ganó color, gamas de mechones violetas, o rojos dependiendo de la temporada y musicalmente mi abanico creció más que nunca seguía escuchando a los Guns a los que adoraba, pero aprendí a respetar  muchísimo a Metallica y a adorar a esa banda de Seatle que me abrió la puerta a bandas como Alice in Chains, Pearl Jam, consiguiendo graduarme al final no solo en ese Instituto hasta con nota , sino musicalmente también con matricula.

A Compilation Of Scott Weiland Cover Song

 

El stone temple pilots y ex velvet revolver Scott Weiland, nos sorprende con el lanzamiento de un disco de versiones  este seria el set list del album :

 

1.I Am The Resurrection - Stone Roses
2.Personality Crisis - New York Dolls
3.Frances Farmer Will Get Her Revenge On Seattle - Nirvana
4.Let Down - Radiohead
5.Into Your Arms - Lemonheads
6.Dead Flowers - The Rolling Stones
7.Waiting For Superman - The Flaming Lips
8.Revolution - The Beatles
9.But Not Tonight - Depeche Mode
10.Reel Around The Fountain - The Smiths
11.Fame - David Bowie
12.Jean Genie - David Bowie

 

En la primera escucha me ha gustado muchísimo el cover de Nirvana, con una voz clavada a la original, el Jean Genie de David Bowie me parece impresionante modulando la voz como el mismo Bowie y dandole si cabe más intensidad a los coros por ahora la mejor canción del album, Revolution de los Beatles , esta grabada con los Stone Temple Pilots y ya  pudimos  escuchar esta misma versión hace ya tiempo, una versión  muy fiel a la original ... En  Fame de David Bowie no consigue la magia de la version original con ese toque discotequero que aki con los toques electronicos más actuales pierde un poco de empaque , igual es la primera escucha y con varias mas cambio de opinión,  con Dead Flowers de los Stones se juntan varios factores mi banda favorita y una de mis voces favoritas y realmente Weiland borda este tema, respeta la cadencia country del Sticky Fingers y demuestra una vez más mi teoria de que este hombre en medios tiempos como este es de lo mejor que he escuchado, lástima que no haya escogido más temas de este calibre, para hacer un disco perfecto. Para cerrar Personality  Crisis de los Dolls suena trepidante , salvaje , fresca  uno de mis temas favoritos de los Dolls revitalizado con un sonido mas actual más contundente un cover fantástico.

Por ahora he ido directo a los temas que más me llamaban la atención, los otros iran cayendo despues de escuchar otra vez estos .....   Rock and Roll .

 

 

AUN ARDE MADRID HOMENAJE A BURNING

HOMENAJE A PEPE RISI

 

 

 

El sábado 9 de mayo de 1997

Fallecía en un hospital madrileño José Casas "Risi", fundador y líder de Burning, aquejado de neumonía. Era la noche total y definitiva, un cinematográfico fundido en negro, aunque jamás, para un roquero ardiente como él fue, quepa un epitafio de silencio. Negro, sí: el negro de su chupa de cuero; el de las eternas gafas que ocultaban sus "noches de rock and roll"; el de las noches de oscuridad iluminadas por los neones de la gran ciudad, por las estrellas de los sueños musicados en tantas y tantas canciones llenas de fuerza, pero también de sentimiento, de pasión, pero también de amor; el negro en fin de su "negrita", la vieja guitarra Gibson compañera de tantas fatigas, de tantas incomprensiones, pero también de tanta música y "buen rollo".

Entre la sorpresa de muchos y el autosuficiente "ya lo sabía yo" de otros tantos se fue Pepe Risi, y no hay necesidad de buscar más pies al gato: gustó siempre de vivir merodeando el lado salvaje de la vida, cuando no decididamente dentro de él, y la noche cobra a veces un alto tributo a sus más fieles amantes, aunque a veces su triple divisa "drogas, sexo, rock and roll" sea un tópico excesivo y unilateral. Pero es siempre "tu decisión", como el propio Pepe recordaba en un bello tema desde los lejanos años del disco "Bulevar", y él mismo había tomado la decisión de vivir ese rock and roll del barrio -más realmente que el de los grandes bulevares- hasta sus últimas consecuencias.

Murió como había vivido, prácticamente se dejó el alma sobre un escenario, tocando, ya muy enfermo, hasta pocos meses antes de morir, componiendo con la misma raza de siempre sus temas aún inéditos que dejó grabados en maqueta, y sacando el aire justo para cantar un poco de unos pulmones que ya no le respondían, "ya no tengo voz, amigos, pero tengo corazón", se sinceraba ante el público de sus últimos días.

Quizás Madrid, su ciudad, su pasión -a la que quiso como se quiere a una mujer algo esquiva, y a la que tantos temas hermosos dedicó- no le haya rendido el homenaje merecido. Sabino y Loquillo cantaron hace mucho que Pepe Risi "había matado el silencio de las calles de Madrid", pero no están los ojos del Madrid oficial de hoy vueltos hacia el rock, el rock que sin embargo late aún en sus entrañas, en su periferia -como latía también en 1972 cuando un adolescente Pepe Risi se echó con su "negrita" y sus sueños intactos a la carretera-.

UN DIA COMO HOY ...

 ARTICULO ROLLING STONE ESPAÑA

La historia de ‘Appetite for destruction’, Guns N’ Roses

Cinco chavales descarriados destrozan la antigua casa del astro del cine Cecil B. DeMille, se ponen hasta arriba de caballo y llaman marica a Paul Stanley, de Kiss. Y así se convirtieron en las últimas grandes estrellas del rock.

La historia de ‘Appetite for destruction’, Guns N’ Roses

Axl Rose, desmadradísimo, en los primeros tiempos de Guns N’ Roses.

Una sirena de policía suena a los pocos segundos de arrancar el disco Appetite for destruction (editado en julio de 1987). Y cuando quedan minutos para terminar el álbum se escuchan los gemidos desatados de una chica follando, los de la novia del batería de Guns N’ Roses de entonces, Steven Adler. Pero a eso llegaremos más adelante… Entre medias se suceden 12 canciones con violencia, sexo, drogas y, envolviéndolo todo, una mezcla de heavy, punk y rock clásico. Pocos discos reflejan tan bien el momento y el lugar en el que fue gestado, y las vivencias de sus creadores: los años 80 pasaban su ecuador cuando unos chavales apenas en la veintena se buscaron y encontraron en Los Ángeles para vivir aquello de sexo, drogas y rock and roll elevado al cubo, contarlo en sus canciones y tratar de triunfar haciéndolo. Lo consiguieron: desde su publicación se han vendido más de 28 millones de ejemplares de Appetite for destruction, durante más de un lustro Guns N’ Roses reinaron en el rock de este planeta y este disco permanece como uno de los debuts más salvajes –por sus canciones y las historias que esconde– del rock.

Pero su estallido también fue el principio del fin: con su éxito masivo surgieron las rupturas, los egos exaltados, los desfases con las drogas y las apariciones en prensa no sólo por temas musicales… Y Guns N’ Roses nunca ha llegado a superar la intensidad de este álbum. O como dijo el propio Axl Rose, vocalista y actual líder de la banda, en una entrevista para ROLLING STONE, en 1999: “Quizás éste acabe siendo el único álbum bueno que hagamos”.

ANTES DE ‘APPETITE FOR DESTRUCTION’
La historia de Axl Rose (William Bruce Roser, 1962, vocalista), Slash (Saul Hudson, 1965, guitarrista solista), Izzy Stradlin (Jeffrey Dean Isbell, 1962, guitarrista rítmico) Duff (Michael Andrew McKagan, 1964, bajista) y Steven Adler (1965, batería) no arrancó de forma muy diferente a la de miles de jóvenes en EE UU, en los hedonistas 80: unos descarriados ponen el punto de mira en Los Ángeles, la gran meca del rock entonces, donde se asientan para hacerse un hueco en este feudo gobernado por Mötley Crüe, Ratt o Poison, al frente de una larga lista de bandas que mezclaban el glam de los 70, el rock de estadio de Led Zeppelin y estribillos de pop pegadizo. Axl e Izzy eran dos emigrados del aburrimiento de Lafayette, Indiana, Duff, un gamberro criado con el punk rock y que había tocado en grupos de culto de este género (como los Fartz o Fastbacks), huía de la heroína que asfixiaba las calles de su ciudad, Seattle; mientras que Slash y Steven eran dos colegas de la infancia (aunque Slash pasó sus primeros años en Inglaterra) que, según Steven, desde los once años supieron lo que querían ser: estrellas del rock. En mayo de 1985 se produjo el encuentro mágico: tras coincidir nuestros protagonistas en bandas previas (Road Crew, Hollywood Rose…), tiene lugar el primer ensayo de la formación clásica de Guns N’ Roses. “Al tocar el primer acorde sentimos que aquella era la banda que habíamos estado buscando”, contó Duff en una entrevista para ROLLING STONE, en 2007. No sólo ellos: en los primeros meses de vida su nombre corrió como la pólvora en los garitos angelinos.

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Izzy Stradlin, Duff McKagan, Axl Rose, Slash y Steven Adler, en su primera actuación como Guns N’ Roses (6 de junio, de 1985).

Foto sacada del libro Reckless road.

 

LA INSPIRACIÓN PARA ‘APPETITE’
Pero lo que estos jovenzuelos se encontraron al sumergirse en Los Ángeles poco tenía que ver con las canciones sobre desparrames felices que cantaban los grupos de rock duro llenos de laca que allí triunfaban. Sí, había fiestas, chicas y desfase, pero también prostitutas, heroína (a la que abrazaron varios de los miembros del grupo) y violencia (“Aquí es posible asesinar” dijo Slash en una entrevista de la época). Los cinco vivieron como en una comuna anárquica y pobre estos dos años previos a la publicación de Appetite for destruction. Pasaron por un local de ensayo -en la esquina de Sunset Boulevard con Gardner Street, en Los Ángeles– donde también caían desplomados por sus cuelgues. Se alojaron durante un tiempo en una antigua propiedad del clásico cineasta Cecile B DeMille, y que el grupo se encargó de destrozar. Arnold Stiefel, mánager de la banda entonces, recuerda cómo le citó el casero, indignado por los desperfectos. “Casi me desmayé cuando lo vi. Estaba más allá de lo imaginable y no pude parar de reírme al verlo: habían arrancado los váteres y los habían tirado a través de las ventanas, había restos de caca en los lavabos y, esparcidos, trozos de hamburguesas, con moho y a medio comer”. Entre desfases con drogas, ligues con bailarinas de striptease y sin dinero para apenas comer surgió la inspiración para componer Appetite for destruction. El anhelado contrato para su primer álbum llegó en marzo de 1986.

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Guns N’ Roses, dos años antes de grabar Appetite for destruction. Foto sacada del libro Reckless road.


LA GRABACIÓN: “NO” A PAUL STANLEY

El primer productor elegido para ponerse al mando Appetite for destruction fue Paul Stanley, de Kiss. No hubo química con la entonces desmaquillada estrella: al enseñarle los Guns unas maquetas que tenían grabadas, éste sugirió que añadieran unos coros en la canción Nightrain, para hacerla, según Stanley, más pegadiza. Por este motivo Axl, mosqueado, dejó de hablarle e incluso de mirarle. Slash, por su parte, no fue más benévolo con el pronto destituido productor y esparció rumores sobre la supuesta homosexualidad de éste (¿existe mayor castigo para una estrella mujeriega como el ligón de Kiss?). “Sí, eran despojos drogadictos, pero eran unos despojos con disciplina”, recuerda Mike Clink, el productor finalmente elegido.
Algunas fuentes datan el inicio de la grabación en agosto de 1986, otras en enero de 1987.

En Clink se juntaban dos coordenadas claves en el sonido de Appetite for destruction: paciencia y una gran conocimiento de técnicas antiguas de grabación. Lo primero fue necesario para pulir el diamante en bruto que era la banda: de las jornadas de 18 horas de trabajo de Clink muchas fueron para que Axl descubriese que no sólo era bueno gritando y que tenía un registro de voz amplio, y por otro, para pulir los solos de Slash y encajarlos con las pegadizas melodías de la voz. Lo segundo lo utilizó para aplicar técnicas ya entonces arcaicas: Clink cortaba con una cuchilla las mejores tomas de las bobinas de grabación y requirió de cinco personas para ajustar, sobre la marcha, las subidas y bajadas de volumen al mezclar. El resultado del trabajo fue un sonido crudo a la vez que pulido, que sirvió de puente entre el rock domesticado de los 80 y el incipiente, y sucio, grunge que se haría con el mercado pocos años después. El presupuesto de grabación fue el equivalente a 276.000 euros.

LAS CANCIONES: HEROÍNA Y VINO BARATO

“Estábamos en el sótano de casa de mi madre, cogí mi guitarra y le dije a Axl: ‘Mira lo que he sacado’. Y le moló”, cuenta Slash sobre Welcome to the jungle, la canción que abre Appetite for destruction. Después, con la ayuda de Izzy y Duff finiquitaron uno de los arranques más potentes y  reconocibles en la historia del rock. A partir de ahí, las influencias del heavy, el punk y el rock clásico se entrelazan en historias tan crudas -muchas eran experiencias vividas- como la música que las envuelve. Nightrain era el vino barato que la banda bebía en sus infinitas juergas; Mr. Brownstone refleja la lucha con la heroína de Izzy (“Está llamando a mi puerta y no me deja en paz”, dice, en inglés, parte de su letra); en Out ta get me Axl narra desgarrado sus problemas con la ley en su Indiana natal; y My Michelle va sobre una novia que tuvo Axl, Michelle Young, que le pidió que escribiera una canción sobre ella tras escuchar Your song, de Elton John, en la radio. Como un diario salvaje.



Sweet child O’ Mine, el número uno que nació por una casualidad.

El único single que la banda ha tenido en el número uno de singles en EE UU hasta hoy, y que es una de las canciones más reconocidas de este álbum, nació de la casualidad. Slash estaba tocando lo que, en sus palabras, “era un ejercicio de guitarra tontorrón”, mientras Izzy le acompañaba con unos acordes. Lo que no sabían era que en la planta de arriba, en la ex casa de Cecile B DeMille, Axl les escuchaba y
ponía letra para Sweet child O’Mine. Aunque la historia más morbosa lo esconde el tema que cierra el disco, Roquet queen. Los gemidos que se escuchan en medio de la canción son reales: Axl estaba grabando voces, mientras Adriana, de 19 años, se frotaba con él. Los técnicos no dieron al botón de stop mientras el ambiente subía de tono entre la improvisada pareja.“Venga, Adriana, haz que sea de verdad”. Las palabras de Axl fueron órdenes para la joven: los dos acabaron montándoselo ahí mismo y los gemidos de la joven quedaron inmortalizados para siempre. “Hubiese hecho cualquier cosa por Axl, era mágico”, dice Adriana Smith ahora, ya cuarentona, que entonces quiso vengar las infidelidades de su novio. Nada que no fuese extremadamente extraordinario si éste no hubiese sido Steven Adler, el batería de la banda. La cosa iba de excesos hemos dicho. Appetite for destruction llegó a las tiendas en julio de 1987.


A partir del minuto 2.30 se escuchan los gemidos de Adriana y Axl, en Roquet queen.

 

LAS CONSECUENCIAS
Una madrugada de domingo, en diciembre de 1987, fue decisiva para catapultar al estrellato a Appetite for destruction. A las cuatro de la mañana se emitió por primera vez el vídeo musical de Welcome to the jungle, en MTV, cadena musical entonces determinante para el ascenso de un grupo. El fenómeno fue similar a cuando Elvis Presley sonó por primera vez en la radio, en los 50, o la primera aparición de los Beatles, en los 60, en el programa de televisión de Ed Sullivan: las peticiones para que se emitiera de nuevo el vídeo no cesaron y el efecto dominó hizo que los 200.000 ejemplares que se habían vendido hasta entonces se multiplicaron vertiginosamente. Como en tantos aspectos relacionados con esta banda no faltó polémica: la portada original, hecha por el artista Robert Williams, con un robot que acaba de violar a una chica, fue cambiada por una cruz con las cabezas de los miembros de la banda. 23 años después de salir, lo salvaje de sus canciones y sus historias se extiende a las cifras: Appetite for destruction lleva más de 28 millones de ejemplares vendidos a día de hoy. 

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Así iba a ser la portada de Appetite for destruction. Pero se censuró.


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Portada definitiva de Appetite for destruction.

CUANDO LA BELLEZA Y LA TRISTEZA ANDAN JUNTAS DE LA MANO

 
Puedes ver que a duras penas logro mantenerme entero
puedes ver que lo que hice ya, no puedo deshacerlo
yo creí que lo nuestro era infinito como la arena
ahora se que lo único inagotable es, esta insoportable pena.

Ya se fue mi amor lo sentí marchar
esta noche me voy a emborrachar
voy a emborrachar, lo sentí marchar
ya se fue mi amor, ya no volverá.

Quisiera y no quisiera, son dos cosas diferentes
quisiera que me quisieras
y yo no quisiera quererte
pero en vida no suele ocurrir
lo que uno quiere que ocurra
y tu te fuiste detestandome y yo
hoy te quiero mas que nunca.

Ya se fue mi amor lo sentí marchar
esta noche me voy a emborrachar
voy a emborrachar, lo sentí marchar
ya se fue mi amor, ya no volverá.

Hoy soñé que te tenia otra vez entre mis brazos
de saber que no era mas que un sueño,
no me habría despertado
así que si hoy amaneces,
y los pies te están doliendo
es porque estuviste toda la noche,
Caminando por mis sueños...

Ya se fue mi amor lo sentí marchar
esta noche me voy a emborrachar
voy a emborrachar, lo sentí marchar
ya se fue mi amor, ya no volverá.

Tengo ya que despedirme
porque las fuerzas me fallan
y las pocas que me quedan
son para curar mi Alma
que enfermo cuando perdí
lo mas precioso que tuve
dime pensaras solamente un poco en mi
cuando mires el Montduverr.

Ya se fue mi amor lo sentí marchar
esta noche me voy a emborrachar
voy a emborrachar, lo sentí marchar
ya se fue mi amor, ya no volverá.

Si dices dame tu corazón
me lo arranco y te lo doy
pero yo digo Amor quédate
y tu me respondes me voy,
me voy, me voy.

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THESE DAYS

CICLO LUIS TOSAR

CICLO LUIS TOSAR

 

La película comienza con cinco minutos de cine de animación en cartón piedra con muñecos que son hasta entrañables , acompañados por una música que ya, de entrada, promete.

Cuando los protagonistas crecen ya se nos muestran en carne y hueso (el hermano rubio, el hermano moreno y la vaca) viviendo al borde del mar, mostrando un soberbio paisaje de la costa gallega donde se entremezcla el color verde de hierba fresca del prado con el azul intenso del mar chocando contra las rocas.

La historia cuenta la vida de esos dos hermanos, que siendo niños fueron arrastrados por lluvias torrenciales a no se sabe dónde, y crecieron en una casucha construída con todo tipo de artefactos arrojados por el mar (crebas), gracias a su inventiva que les permite reciclar y reconvertir el uso de objetos, como tener un fuelle en la cocina montado con un acordeón que funciona a base de poleas y el movimiento de una boya-garrafa en el mar.
Un día se encuentran un hombre muerto en la playa, que resulta ser un piloto alemán al que buscan sus compañeros nazis y descubierto por la tripulación de un submarino americano que navega por la zona. Otro día la vaca se pierde y, en su búsqueda, hacen descubrimientos como una ermita, un pueblo del interior, sus vecinos que están de fiesta, la verbena, una cantante llamada Loli Marlén, el amor, los recuerdos de la niñez, la vaca perdida...

El paisaje del interior es tan precioso como el de la costa: castaños enormes con el tronco repleto de musgo, las hojas marrones mezclándose con las que aún no se han secado, inmensos prados de helechos, las montañas, las casa de piedra...

Hay situaciones geniales, absurdas, escenas abstractas, unas cuantas muy divertidas, otras tomadas directamente del cine mudo, otras que podría escoger tanto David Linch como Pedro Lazaga para sus respectivas colecciones...

Genial Luis Tosar hablando en inglés americano (casi con chicle incluido) en su papel de capitán del submarino que tiene como misión buscar sitio para desembarcar (el de Normandía). Merece la pena solo por verle y oirle en su pose de yanqui. El resto de personajes falan en galego (y en alemán los nazis, claro), pero aunque hay subtítulos casi no se necesitan por la brevedad de los diálogos, que no tiene nada de malo por ser breves, y las expresiones de las caras de los personajes.

En fin: una historia contada de forma muy original, soplo de aire fresco en medio de tanto intento de "quererlo ser pero quedarse en lo patético del intento", divertida, ingenua, preciosa, entrañable... acompañada de una música que le sienta fenomenal a las imágenes, con mucho silbido y mucho acordeón... muy rusogalaica...

ROCK AND ROLL STAR

Sheen´s Korner"


Emitimos el programa más polémico de la web: Sheen´s Korner"

este nuevo y rompedor formato de hazlo tu mismo como te de la gana es fabuloso un diez para el gran Charlie Sheen ....



Charlie Sheen sangre de tigre

El último rock star Charlie Sheen.

IZZY STRADLIN EL ULTIMO STONE

Cuando salió su primer albúm en solitario la crítica especializada no dudo en comentar que se trataba del mejor disco de un Stone en solitario después del Talk is Cheap de Richards.

Izzy nunca estuvo en los Stones pero heredo ese gusto exquisito por los riff y por las viejas canciones Stonianas.

Con 11 discos en solitario en sus manos y  un buen puñado de clásicos atemporales con los Guns firmados por su puño y guitarra, izzy ha seguido su camino como mejor sabe , a su manera, sin importarle el reconocimento, la fama y todo lo que eso conlleva.

Simplemente siguió su propio camino después del primer tramo de la gira de los Illusions, tal vez descontento y desencantado por muchas situaciones ... y desde entonces ha echo lo que le gusta como ha querido, como le ha dado la gana dejandonos un maravilloso puñado de canciones que ya querrían muchos de sus excompañeros tener en su repertorio.

En breve pasare a analizar sus discos en solitario como un ejercicio de rock, que haré como homenaje a su fántastica obra ...

Hoy pondre las canciones que ha compuesto para los Guns:

Las canciones íntegramente escritas por Izzy en GUNS N ROSES  son "Mr. Brownstone", "Think About You", "Patience", "Used to Love Her", "You Ain’t the First", "Double Talkin’ Jive" y "Pretty Tied Up", además de ser co-autor de la mayor parte de las canciones del APPETITE GNR LIES , USE YOUR ILLUSION I y II.

En este enlace podreis encontrar quienes son  los autores de todos los temas Guns.

LOS SUPERHEROES TAMBIEN SE EQUIVOCAN

DIMELO EN ESPAÑOL

DIMELO EN ESPAÑOL

Rompamos una lanza por la música en castellano, por el sabor añejo de nuestras palabras, por el vínculo lingüsitico, cultural y de hermandad con sudámerica reinvindiquemos nuestras raices culturales empezando por el idioma .....  por eso más Rock en español de un lado y del otro del charco.

Más Quique González, Xoel López , Le Punk, Fito Paez, Charly Garcia, Spinetta, Soda Stereo, Barricada, Ratones Paranóicos, Pereza, Sydecars, Fito y Fitipaldis, Loquillo, Leño , Burning, Bumbury  y todos los demás .......

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